Versión: Raquel Carrió sobre la obra de Friedrich Durrenmatt

Dirección: Flora Lauten

Función única el viernes 23 de julio a las 8:30 pm

Teatro Manuel Artime
900 SW 1st St. Little Havana, Miami

SINOPSIS.
Clara Zajanin regresa al pueblo de Gula. Han pasado más de cuarenta años desde la noche en que el Jefe de la Estación la puso en el tren. Todavía suenan en sus oídos los gritos y los insultos de los pobladores de Gula. Ve las sombras en la noche. Los rostros contraídos y las piedras. Pero también, las imágenes del bosque y el río, las tardes de fiesta en la Glorieta del pueblo donde bailó con Elías una canción de amor. Se trata de heridas, y de momentos de júbilo y belleza que no ha olvidado nunca. ¿De qué manera pueden rescatarse la memoria, el paso del tiempo o la juventud perdida? Me gustaría revivir ese momento –dice Clarapero es imposible. Porque Gula es una ciudad arruinada. Muchos se han ido y los pocos que quedan luchan entre la desesperanza y el deseo de sobrevivencia. Entre la dignidad y el miedo, la lealtad y la farsa, la avidez y la nostalgia. Paradójicamente, en ese estudio del comportamiento humano, Durrenmatt apuesta por la comedia. Una comedia amarga, descarnada, de sonrisa cómplice y brutal que la aproxima al llamado teatro de la crueldad. Una comedia rara: donde la risa le gana la partida a la tragicidad de un modo doble: ridiculiza y mitifica al mismo tiempo. Como si esa comedia de equivocaciones trágicas fuera la (verdadera) naturaleza de las cosas. Y optamos por enfatizar esa desproporción. Entre la situación real que viven los gulenses y su mundo de fantasías, ingenuidades y fanfarrias. Como si recordaran poco, o casi nada, o como si perdieran la conciencia real de sus acciones. Cuando aceptan el trato (los créditos de Clara) no saben bien qué dan a cambio. Es sólo un acto simbólico, una fantasía o una imagen contrastante. Es el reino de la ilusión, que sustituye la aspereza. En todo caso, lo vertiginoso, o lo insólito, no es la muerte de Elías, sino su conversión en otra cosa: polvo será, más polvo enamorado, parece decir el final del espectáculo. Y está bien, porque ha crecido (el espectáculo) entre las ruinas de una vieja iglesia que, una vez más, quiere renacer de los escombros. Bailar sobre la arena, revivir las canciones sobre el polvo, viene siendo una suerte de exorcismo: uno más, en el largo trayecto de un teatro que aspira a que sus obras cuenten por sí mismas los avatares de su historia.

Elenco:
CLARA ZAJANIN: Ivanesa Cabrera
ELIAS ILL, EL ALCALDE: Alejandro Alfonzo
MATILDE, ESPOSA DE ELIAS: Indira Valdés.
EL MAESTRO: Sándor Menéndez.
EL JEFE DE ESTACION: Carlos Cruz
EL CARNICERO: Leandro Sen
VIEJO DEL PUEBLO: Dania Aguerreberrez.
MIMI: Indira Valdés.
BOBBY: Leandro Sen.
MUSICOS:
PIANO: Jomary Hechavarría
SAXO/ FLAUTA: Vidal Ricardo Labarca
GUITARRA: Dania Aguerreberrez

Equipo de realización: DIRECCION: Flora Lauten

INVESTIGACION, ASESORIA Y DRAMATURGIA: Raquel Carrió

TEXTOS DE LA VERSION: Raquel Carrió y Flora Lauten
DISEÑOS DE VESTUARIO Y ESCENOGRAFIA : José Miura – MayraRodríguez –Jorge Noa – Pedro Balmaceda

SELECCIÓN MUSICAL: Flora Lauten
COMPOSICION MUSICAL: Jomary Hechavarría –Vidal Ricardo Labarca – Marieta Vaulens
ASISTENTE DE DIRECCION. Claudia Broker – Eulalia Sánchez
JEFE ESCENA: Lourdes Navarro
DISEÑO DE LUCES: Nicolás Navas.
DISEÑO GRAFICO: Héctor Fernández
SONIDO: Rommy Sánchez.
COREOGRAFIA: Luz María Collazo.
ACROBACIA: Félix Padrón.
MAQUILLAJE: – Adela Prado
ADMINISTRACION: Eulalia Sánchez
PRODUCCION: Julio Mainegra
VESTUARISTA: Lourdes Navarro
DIVULGACION: Liliam Riuz
EQUIPO DE ATREZZO: Mayra Rodríguez,
Julio Chavarri, Jorge Hernández, Maykel Fariñas, Francisco Espinosa
DIRECCION GENERA TEATRO BUENDIA. Flora Lauten

Lo que dijo la prensa:
“A partir de la comedia de Friedrich Durrenmatt, Raquel Carrió y Flora Lauten han elaborado una historia- bisturí que hace incisión en el contexto nacional más actual, lo penetran y exponen. La risa corre pero, herida al fin, duele y sabe amarga.
(…) El vestuario, la interpretación de las canciones y las coreografías establecen a nivel sonoro y visual un vínculo con el cabaret que aleja a Gula de la Europa referida y lo acerca a un Macondo, más caribeño que colombiano.” PP Roque

“La puesta es de una limpieza aleccionadora. Sobre el escenario desnudo los actores laboran casi siempre en un tono alto e intenso, acorde con la ansiedad que provoca el estado vigente de cosas. Ellos son el centro de un espectáculo que recurre a la estructura que tipifica a la comedia musical, solo que ahora el aire ligero que suele acompañar al género está ausente. La versión de Buendía es proclive a la reflexión y el autorreconocimiento. La melancolía, el desgarramiento o la desilusión, devienen sentimientos que recorren la propuesta.” Osvaldo Canola

Teatro Buendía

Teatro Buendía se funda en La Habana en 1985 con actores graduados del Instituto Superior de Arte bajo la dirección de la actriz, profesora y directora artística Flora Lauten. Desde su fundación ha desarrollado paralelamente dos líneas de trabajo: la producción de espectáculos y un centro permanente de investigaciones sobre las tradiciones culturales En América Latina y El Caribe, los medios expresivos del actor y la renovación de los lenguajes escénicos. El estudio de las relaciones entre la música, la danza y la interpretación, así como la formulación de nuevas formas de escritura escénica y dramaturgia del espectáculo han consolidado el prestigio internacional de una compañía que ha presentado su repertorio en los más exigentes festivales y escenarios de América Latina, Europa, Norteamérica, Asia, África y Australia, impartiendo además talleres, seminarios y conferencias sobre sus resultados de investigación y métodos de creación. La calidad de sus actores y sus puestas en escena han recibido el mayor reconocimiento del público y la crítica especializada en festivales, giras y temporadas internacionales. El equipo de profesores de Teatro Buendía son fundadores de la EITALC (Escuela Internacional de Teatro de América Latina y el Caribe) y han formado parte (Raquel Carrió y Flora Lauten) de las sesiones del ISTA (Escuela Internacional de Antropología Teatral) bajo la dirección de Eugenio Barba. Flora Lauten y Raquel Carrió son profesoras de la Universidad de Artes de La Habana. Espectáculos como: La Cándida Eréndira (1992), Las Ruinas Circulares (1993), Otra Tempestad (1997), La Vida en Rosa (1999), Bacantes (2001), Charenton (2005), La balada de Woyzeck (2007),La visita de la vieja dama(2009), entre otros, han obtenido numerosos premios nacionales e internacionales. En1998 Teatro Buendía recibió el premio Ollantay que otorga elCELCIT (Centro Latinoamericano de Creación e InvestigaciónTeatral) por la calidad de sus espectáculos y sus aportes al teatro de América Latina y el Caribe y en varias ocasiones el Premio Nacional de la Crítica Teatral de la Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba.

En Miami, por estos días, deambula el personaje de una actriz obsesionada y casi enloquecida, haciéndonos reflexionar a partir de un excelente y rico texto escrito por el dramaturgo cubano Abelardo Estorino, adaptado esta vez por Alexander Otaola, quien además, le da vida.

Las penas saben nadar, es el drama de una actriz que es rechazada tras asistir a una audición para interpretar un personaje en una telenovela. Sus miedos y sus obsesiones, la empujan a una catarsis donde el actor Alexander Otaola reafirma su histrionismo y su poder interpretativo.

El actor, transformado exquisitamente en el personaje de una actriz, logra mantener al espectador durante casi una hora en constante tensión dramática. Sus transiciones son precisas y convincentes, con agudas proyecciones emotivas.

Sin lugar a dudas, Otaola es un gran actor. Formado en el Conjunto Dramático de Camagüey, Cuba, desde su llegada a Miami en el 2003, ha trabajado en las telenovelas Valeria, El rostro de Analía, Más sabe el diablo, y Pecadora.

Las penas saben nadar, está dirigida por Ernesto Molina y se destaca además por ser una puesta en escena sencilla, sin grandilocuencias, pero efectiva. Aunque el peso de la puesta recae en el actor, la musicalización y el diseño de luces, le segundan sin disonancias.

Las penas saben nadar, una magnífica opción que continuará presentándose todo este mes de junio, en el teatro Abanico, con funciones viernes y sábados a las 8:30pm y los domingos a las 6pm.

Cuando vi La Habana hacerse un punto en la distancia sentí ganas de llorar y no pude. La patria quedaba atrás. La patria que mis amigos fueron construyendo en mí, sin apenas darme cuenta, se borraba como el mapa de la Isla que un niño dibuja en la acera y luego la lluvia hace que desaparezca.

No pude mirarles a los ojos a quienes me sostenían, para decir adiós. No me fue dada la oportunidad de decirles cuán grande es el espacio que ellos habitan en mí.

Muchos amigos aún permanecen detenidos en ese paisaje que tantas otras veces traté de detener. Muchos preguntándose qué fue de mí, qué aire escurridizo me lanzó al vacío. Otros, que también pertenecieron a ese paisaje detenido, fueron apareciendo poco a poco –gracias a Dios- regresándome un pedazo de esa patria que juntos construimos.

Aymara Aymerich, es una de esas bendiciones que Dios quiso devolverme. Nos conocimos a mediado de los noventa, en el Sur oriental cubano. El mar fue testigo de esos días y la poesía también, y muchos otros amigos que hoy se encuentran esparcidos por el mundo. Desde entonces, hemos navegado juntos a favor y en contra de muchas aguas.

Además de poeta, Aymara es narradora y periodista. Textos suyos han aparecido en varias antologías y publicaciones seriadas en Cuba, Latinoamérica y Europa. Entre otros, ha recibido los premios Calendario de Narrativa (1998) y David de Poesía (1999). En 2001 fue Ganadora Absoluta del Premio Internacional de Poesía Nosside Caribe. Ha publicado los poemarios in útero (Ediciones Unión, 2000) y El Cabaret de La Existencia (Letras Cubanas, 2003), así como los libros de cuento Deseos líquidos (Casa Editora Abril, 2000, en coautoría con Elvira Rodríguez Puerto) y Todas las mujeres se desnudan (Ediciones Unión, 2008). En colaboración con el escritor Edel Morales, presentó el catálogo de nuevos poetas cubanos Cuerpo sobre cuerpo sobre cuerpo (Letras Cubanas, 2000) y junto al pintor Moisés Finalé realizó el bolsilibro de viñetas Apuntes de teléfono (Ediciones Artecubano, 2005). Su obra ha sido traducida al inglés, el italiano y el sueco.

Admiro su poesía tanto como admiro a la amiga que la escribe. Muchos sentirán un gran placer al leerla. Algunos, se escandalizarán por la sinceridad con que celebrará su intimidad y su angustia existencial. Pero nadie quedará indiferente.

viólame, amigo, y lloremos por la patria o el amor.
sólo brindo con oxígeno en noches mansas como esta,
en vandalismos como este: el Oxígeno
Tu oxígeno que también se deteriora.

Gracias amiga, por la sinceridad y la poesía, pero sobre todas las cosas por el amor con que te aferras a esa verdadera patria que formamos los amigos.

Noche de Poesía, 24 de abril de 2010. Zu Galería Fine Arts.

NEURALGIA

un film de Magdiel Aspillaga

Foto: Ernesto García

Algunas veces imaginé cruzar el horizonte en una barca de papel. Alguna vez, mirando el azul inmenso, crucé el horizonte con los ojos cerrados. Y es que si deseas algo profundamente, nada te puede detener, sino tú mismo.

Al horizonte no se llega en una barca de papel, pieza teatral escrita y dirigida por Ernesto García, cuyo estreno mundial sucedió el pasado 5 de marzo por Teatro en Miami Studio, reafirma esa visión que siempre he tenido de la vida.

Teatro hecho a mano, empujado con la fuerza de la pasión y la entrega ha sido tejido esta vez meticulosamente. Confieso que fui con miedo a verla. Los buenos títulos siempre me dan miedo, por eso de que el resultado no sobrepasará las expectativas. Al horizonte no se llega en una barca de papel, además de un buen título, es un excelente texto dramático. La poesía fluye, pero sin rebuscamientos; el sentimiento aflora, pero sin estridencias.

Ésta es una historia contada en off por tres testigos que dicen haber presenciado el reencuentro de tres  amigos, después de veinte años. Al principio, pensé que me sobraban esos personajes sin rostro, contando cada uno la historia a su manera, pero después me fueron necesarios. He aquí uno de los logros de la puesta, el dejar que el espectador decida cuál de las versiones del reencuentro le acomoda. Porque tú y yo, aún en el mismo lugar y a la misma hora, miramos con ojos diferentes.

Ernesto García ha sabido construir su barca con elegancia y buen gusto, haciendo uso de pocos recursos escenográficos y de utilería, para llegar al balance adecuado, a la cocción exacta, depositando la fuerza mayor en sus cuatro actores: Ariel Texidó, Sandra García, Grettel Trujillo y Anniamary Martínez.

Salvador (Texidó), Antia (García) y Martha (Trujillo), los tres amigos del reencuentro, han sido interpretados con sobria elegancia. Ninguno sobresale, pero a la vez, ninguno se rezaga. Hace años que no disfrutaba de un tan equilibrado elenco, donde el dominio del texto fuera tan preciso, donde cada palabra tuviera su connotación adecuada, y donde el cuerpo abarcara todo el espacio sin exageraciones, sin notas discordantes. La Novia (Martínez), fue cuidada con sutileza y sus monólogos llegaron a la altura necesaria.

Al horizonte no se llega en una barca de papel, reafirma el valor del amor y la amistad. El pasado no puede cambiarse, pero en el presente, podemos hacer que el futuro sea mejor.

Ariel Texidó, Grettel Trujillo y Sandra García

La obra estará en cartelera durante todo el mes de marzo e inicios de abril, en Teatro en Miami Studio (2500 SW 8th ST – Teléfono: (305) 551-7473) con funciones viernes y sábado a las 8:30pm y domingo a las 5:00pm.

Romeo y Julieta por NuevoTeatro66

Al combate corred, bayameses,
que la patria os contempla orgullosa.
No temáis una muerte gloriosa,
que morir por la Patria es vivir.

En cadenas vivir, es vivir
en afrenta y oprobio sumido.
Del clarín escuchad el sonido.
¡A las armas valientes corred!

No temáis; los feroces iberos
son cobardes cual todo tirano
no resiste al brazo cubano
para siempre su imperio cayó.

Cuba libre; ya España murió
su poder y orgullo do es ido
¡Del clarín escuchad el sonido,
a las armas valientes corred!

Contemplad nuestras huestes triunfantes
contempladlos a ellos caídos,
por cobardes huyeron vencidos
por valientes supimos triunfar.

¡Cuba libre! Podemos gritar
del cañón al terrible estampido
¡Del clarín escuchad el sonido,
a las armas valientes corred!

Partitura Original de La Bayamesa

La partitura y letra originales fueron donadas al Museo Nacional de la Música. Dicha composición poética está conformada por seis estrofas o cuartetas de veinticuatro versos, que transgreden el molde clásico de la redondilla. El autor se sirve de la polimetría, prescindiendo de estructuras métricas cerradas y de la rima tradicional.

En las seis estrofas relaciona versos sueltos o libres (1’ y 4’ ) con los 2’ y 3’ de rima consonante. Coinciden fonéticamente: orgullosa/gloriosa; sumido/sonido; tirano/cubano; ido/sonido; caídos/vencidos; estampido/sonido (9).

La quinta estrofa vincula la consonancia descrita con la rima interna, dada la coincidencia fonética de sonidos en el interior de la estrofa. Estos son: huestes/triunfantes/valientes.

Los versos encabalgados en la segunda y tercera estrofas, comunican contención, ofreciendo intensidad de las emociones en su continuidad.

Zu Galería Fine Arts y
Bluebird Editions
tienen el honor de invitarlos a
Noches de Poesía
con el poeta Alejandro Fonseca.

Viernes 16 de Octubre, 8pm

Presentación del nuevo poemario, La náusea en el espejo, de Alejandro Fonseca, con ilustraciones del artista Néstor Arenas.

Zu Galería: 2248 SW 8th St
Miami, FL

786-443-5872

Alejandro Fonseca (Holguín, Cuba, 1954). Poeta. Ha publicado los libros de poesía: Bajo un cielo tan amplio (Premio de la Ciudad, Holguín, 1986), Testigo de los días (Premio Adelaida del Mármol, Holguín, 1988), Juegos preferidos (Premio de la Ciudad, Holguín, 1992), Advertencia a Francisco de Quevedo y otros poemas (Madrid, 1998), Anotaciones para un archivo (Ediciones UNION, La Habana, 1999) e Ínsula del cosmos (Miami, 2006). Textos suyos han sido publicados en diversas antologías y revistas literarias dentro y fuera de Cuba. Reside en Miami.

La primera vez que vi una puesta en escena de Alberto Sarraín, yo era estudiante de Dirección de la facultad de Arte de los Medios de Comunicación Audiovisual del Instituto Superior de Arte de La Habana. Nuestro profesor de dirección escénica, quien había viajado años antes a Miami, llegó al aula con una cinta de video. Eran las 7:45 de la mañana de un jueves, lo recuerdo bien. El profe traía una obra de teatro grabada en video. Había que analizarla, desmenuzarla,  hacerle cuestionamientos, no quedar indiferentes. En eso consistiría la clase. Aún recuerdo mi cara, a esa hora de la mañana cuando la resaca de la noche anterior te recorre persistentemente como un gusanillo, es imposible concentrarse mirando una pantalla. Pero para mi asombro, se trataba de Manteca, de Alberto Pedro en una puesta en escena de 1997 del grupo La Má Teodora, dirigido por Alberto Sarraín. Ya conocía la obra y me gustaba el texto. Haciendo un poquito de esfuerzo traté de mantenerme con los ojos bien abiertos.

A unos cuantos años de aquel primer encuentro, más audiovisual que teatral, con el teatro de Sarraín, hoy acudí al Teatro Trail de Miami para disfrutar de Chamaco, obra original de Abel González Melo, bajo la dirección del propio Alberto Sarraín.

La Má Teodora, el Latin Quarter Cultural Center y el Archivo Digital del Teatro Cubano de la Universidad de Miami han venido a darle un poquito de oxígeno a esta ciudad, donde con el ajetreo al que estamos obligados diariamente, parece que no pasa nada. Al menos nada interesante.

Pero llegó Chamaco, una obra que tiene como telón de fondo a La Habana y que narra a lo que ha quedado reducida la vida de Kárel Darín: el sexo como única opción de supervivencia. Al menos, eso es lo que el espectador común podría interpretar. Pero nada es blanco o negro, y ahí es donde encuentro la grandeza de esta obra.

Alberto Sarraín ha apostado por una puesta imperfecta, basada en un texto imperfecto. Y ahí está su mayor virtud. No creo que la perfección pueda conmoverme de tal manera como lo ha hecho este Chamaco. Siempre he odiado lo perfecto, porque creo que nos limita, nos corta las manos y la voz, nos hace roca el corazón. Desde el desgarramiento han sido escritos muchos de los diálogos de esta obra, pero también desde la frivolidad y el distanciamiento. Y es que eso es la vida. Un tropiezo y puedes caer, otro tropiezo y si caes, tienes la opción de levantarte, si puedes, o morir.

Visualmente estamos en presencia de una puesta en escena hermosa y equilibrada. El diseño escenográfico y de luces del maestro Carlos Repilado nos transporta a las noches de esa Habana movida por el morbo.

Un joven aparece asesinado en el Parque Central y el único testigo del homicidio, una pordiosera, nos narrará la historia del asesinato a través de flash backs que el director de la puesta ha sabido solucionar excelentemente, con fluidez y elegancia, como quien mueve con precisión las fichas sobre un tablero de ajedrez.

La obra está dividida en dos actos, y he aquí su talón de Aquiles. El primero de ellos resulta algo lento. Los actores pierden el ritmo y con ello se nota el desnivel actoral, que  logra equilibrarse en el inicio del segundo acto con el excelente monólogo de Silvia Depás, hermana del chico asesinado, a quien la actriz Alexa Kuve da vida.

Adrián Más es Kárel Darín, el chamaco sobre el que recae el peso de la historia. Una actuación franca, sin estridencias de moda. Por su parte, Juan David Ferrer es Alejandro Depás, abogado y padre de Miguel y Silvia. Un hombre a quien cuya doble vida le pasa la cuenta.

Orlando Casín y Nattacha Amador logran incorporarse airosos en la piel de Felipe Alejo, tío de Kárel, y la pordiosera-veladora del héroe, respectivamente. Lian Cenzano, como Miguel, y Lyduán González, como Saúl-policía, logran momentos muy buenos en sus interpretaciones y a quienes me gustaría verlos en nuevos proyectos que requieran de interpretaciones más exigentes. Elvira Valdés, por su parte, logra matizar con gracia y profesionalismo su personaje de La Paco.

Podría, tal vez, detenerme un poco más en cada uno de los personajes y sus intérpretes, pero creo mucho más válido reconocer el esfuerzo de ellos, ya que la mayoría trabaja en profesiones que nada tienen que ver con la actuación para sobrevivir; y aún así, contra viento y marea, se entregan decorosamente a lo que aman: el teatro.

Talento como el que acabo de ver sobre las tablas del Teatro Trail, merece seguir haciendo teatro y vivir de él. Es tiempo de que hagamos algo más por el arte y la cultura de esta ciudad, porque nuestro aplauso reconforta, pero no basta.